DEPECHE MODE - BLASPHEMOUS RUMOURS / SOMEBODY


En 1984 Depeche Mode edita el álbum “Some great reward” y en él varios temas que pasarían a ser clásicos (People are people, Master and servant, Somebody, Blasphemous Rumours). El disco es, de por sí, sumamente oscuro. En su sonido, sus armonías, sus letras, en su ambientación general. Al escuchar los primeros acordes de muchos de estos temas, ya notamos que algo puede andar mal, algo misterioso, algo que a simple vista no siempre se puede captar. Ya desde su portada nos vemos desconcertados: una pareja de recién casados, una fábrica abandonada, el color azul y más azul, y un título: una gran recompensa.
Pero en este caso voy a remitirme al análisis de dos temas: Blasphemous Rumours y Somebody. Esta elección no es caprichosa. El simple editado en el mencionado año incluía a ambos temas y conforma un incómodo díptico (del cual dejo afuera a los otros tres temas del Maxi Single)
Somebody está antes que Blasphemous Rumours en el LP, sin embargo no es ese el orden de escucha que recomiendo, sino a la inversa (tal como es en el Maxi Single). Sin saber el contenido de estos dos temas, y a simple vista, resulta muy llamativo que canciones tan oscuras y lúgubres como estas fueran elegidas para lanzarse como sencillos.
Lo primero que debemos considerar, es que todo gira en torno a la hermana de Martin Gore, principal compositor de Depeche Modo, y su suicidio. Pero Gore no compone una canción de amor, de paz o de melancolía frente a esto, sino que toma una posición más bien existencialista y, decididamente, blasfema. Los rumores blasfemos son los que Martin Gore decide difundir. Es dable destacar que la letra de la canción no sigue con exactitud los sucesos de su hermana previos a su muerte, sino que cuenta la historia (o dos historias) de una chica que intenta suicidarse y finalmente muere.

La cuestión es más o menos así (la letra completa la pueden ver en el video más abajo): Una chica de 16 años se corta las muñecas, pero no muere en el acto. Gore comienza con su primer rumor blasfemo, plagado de ironía: “Gracias a Dios, por esas pequeñas misericordias”.  Previo al intento de suicidio deja una nota, la cual cada vez que es leída por su madre, esta no hace otra cosa que rezar.
Luego la historia cambia a la “chica de 18 años”, no definiendo si se refiere a la misma, o a una historia diferente. Esta chica llena de vida (“enamorada de todo”) es atropellada por un auto y termina conectada a un respirador artificial. Estos versos son a mi criterio los más duros de todo el tema, porque nos habla de una chica en la plenitud de su vida quien no sólo sufre un terrible accidente, sino que (al igual que el verso anterior) tampoco muere en el acto. Gore insiste con el tema del dolor y (continuando con los rumores blasfemos) parece señalar que Dios no sólo no se conforma con quitar una vida, sino que también parece pretender hacerlo con sufrimiento hacia la persona. Y que por ese sufrimiento, también deben pasar los allegados. En el último verso de esta estrofa la chica de 18 finalmente muere, y una vez más insiste con la figura materna llorando la pérdida. Todo esto acompañado de incómodos efectos de sonido (tijeras, objetos que caen, vidrios, etc.)
El estribillo es lo que define a la canción por sí misma. Dios tiene un enfermo sentido del humor, y cuando muera se va a estar riendo.
Esto es existencialismo puro. Es como las películas de Ingmar Bergman sobre el silencio de Dios frente al sufrimiento del hombre. Incluso por momentos me recuerda al “Informe sobre ciegos” de Ernesto Sábato, cuando plasma sus teorías sobre Dios:  1. Dios no existe;  2. Dios existe y es un canalla; 3. Dios existe, pero a veces duerme: sus pesadillas son nuestra existencia;  4. Dios existe, pero tiene accesos de locura, esos accesos son nuestra existencia;
5.  Dios no es omnipresente, no puede estar en todas partes. A veces está ausente…;  6.  Dios es un pobre diablo, con un problema demasiado complicado para sus fuerzas…

Continuando con “Rumores Blasfemos”, lo que Martin Gore intenta hacer es sacar a flote toda su ira sobre la religión (algo que luego sería reiterativo en trabajos posteriores). No negando la existencia de un Dios, pero si cuestionando sus actos, es decir tomando una posición hereje más que atea.
Si bien la terrible pérdida sufrida originó estos “rumores blasfemos”, su postura no es quedarse en la desazón, el sarcasmo y el odio, sino que contrapone a esto la pieza “Somebody”. 

Frente a la soledad y la desesperanza, Martin Gore pide a gritos “Alguien para compartir el resto de su vida”. Continúa con la postura anterior del descrédito hacia Dios, pero desde otra perspectiva. Le dice al mundo que no busquen ser escuchados, ayudados o contenidos por una deidad superior, sino que ese “soporte” lo van a encontrar en un ser humano especial.
Las frases de “Somebody” están elegidas muy cuidadosamente para conformar este díptico. Si tenemos en cuenta el análisis de “Rumores Blasfemos” y el silencio de Dios, podremos ahora cuál es su contracara: Ese “Alguien” que busca Martin Gore lo va a “Escuchar cuando él hable” (incluso cuando sus pensamientos sean malos o perversos), se va a “quedar a su lado”, e incluso cuando sus formas de ver al mundo sean incorrectas, lo va a entender. También lo ayudará a “ver las cosas de un modo diferente”. Lo que nos quiere transmitir es: ¿Acaso Dios me brinda todo esto? Y su respuesta es no. Es más, insiste con el tema del silencio. En “Rumores Blasfemos” el ser a quien se refiere interviene sólo de modo irónico y calla. Sin embargo, en “Somebody”, lo escucha e interactúa. Y cuando duerme, pone sus brazos a su alrededor. Hasta los efectos de sonido son una contracara: mientras que los de Rumores Blasfemos eran más bien tenebrosos, en Somebody, el efecto es un latido de corazón.
 Concluye entonces, que esto se lo brindará otra persona, ese “Alguien”, alguien de carne y hueso. Pero siempre, pensando en su hermana. Somebody no es un tema de amor, pero está lleno de necesidad y vida, y es el complemento para equilibrar el sabor amargo y desesperanzador de “Blasphemous Rumours”

Blasphemous Rumours



Somebody


DR

Depeche Mode - Blasphemous Rumours (Maxi simple). 1984
1. Blasphemous Rumours (Rumores blasfemos); 2. Somebody (Alguien); 3. Two minutes warning (advertencia de dos minutos); 4. Ice Machine (máquina de hielo); 5. Everything counts -live- (Todo cuenta)

Los temas Blasphemous Rumours y Somebody también se encuentran en el LP de 1984: "Some great reward".

Números musicales en las películas



La música y el cine. No alcanzaría un blog entero para desarrollar este tema.
Sin embargo, este artículo trata de reducirse a algo más específico que la música dentro de películas. Por ese motivo, voy a delimitar los parámetros que tuve en cuenta para armar este conteo:
En primer lugar no se trata de “soundtracks”. No intento hacer una lista de las mejores bandas de sonido. Tampoco de las mejores canciones incluidas en películas (ni por buena que sea ésta, o su música). Mucho menos voy a hacer referencia a musicales, o films cuya historia y contenido se encuentran directamente ligados a la música (The Doors, The Wall, Blues Brothers, The Commitments, Moulin Rouge,etc.).
Pensemos en películas cuyo eje no tenga que ver con lo musical. En una comedia, drama, acción, terror, etc. donde de pronto nos encontramos frente a una escena con un número musical, ya sea actuado, cantado, coreografiado. Este tipo de números buscan efectos determinados sobre la audiencia, en algunos casos lo consiguen, en otros no.
A continuación voy a referirme a “números musicales en películas”. Que, por lo bizarro, descontextualizado, sorprendente, extravagante, que estos significaron merecen su mención.

  

You never can tell (Chuck Berry)
PULP FICTION.
John Travolta y Uma Thurman. Quentin Tarantino.

Si hay algo que Tarantino siempre supo hacer es elegir la música adecuada para sus películas, y cada momento de ellas y lo que representa.
Esta escena tiene, entre otras cosas, el encanto de ver a John Travolta bailando luego de años de haber abandonado dicho hábito como profesional. Dicen que Tarantino lo convenció diciéndole “Cómo voy a ser tan estúpido de tenerte en una película y no hacer ninguna escena con vos bailando?”
Pulp Fiction es una película de acción con ciertos toques de comedia negra. La película nos viene llevando por diferentes climas creados (en varios casos) a través de la música. El personaje de Travolta (Vincent Vega) debe llevar a “divertirse” a Uma Thurman (Mia Wallace), la esposa de su jefe. Terminan en un bar ambientado en los 50s/60s donde se organiza un concurso de baile.
Sin aclaraciones, sin que sea parte del eje narrativo, y pudiendo comprender perfectamente esta película sin necesidad de esta escena, Tarantino la rueda igualmente. John Travolta bailando twist con Uma Thurman, descalzos, como corresponde. Por supuesto que no podría haber estado la parte del baile, pero ¿hubiera sido lo mismo?
Mención especial para un gran colega de Tarantino, como es Robert Rodriguez, por las escenas de “From Dusk till Dawn” (Del crepúsculo al amanecer) dentro del bar. Las discusiones de George Clooney y Harvey Keitel con el barman, mientras suena “Cucarachas Enojadas” también podrían haber merecido mención en esta lista.

                                                                                                               


DAY-O (or the “Banana Boat Song”)
BEETLEJUICE
Winona Ryder, Catherine O`Hara y otros. Tim Burton

Beetlejuice fue la primer película “importante” de Tim Burton (luego vendrían Batman, Edward Scissorhands, etc.). Cuatro años luego llegaría “The Nightmare before Christmas” (El extraño mundo de Jack), una mezcla de historia fantástica de horror, musical, sin actores, donde precisamente las canciones y sus letras son las que van llevando adelante la historia (recomendado el Blues del Boogieman).
Beetlejuice tiene una banda de sonido discreta y acorde para las situaciones que se presentan, sin hacer hincapié en ella. Sin embargo la escena del Calipso Bananero no guarda ningún tipo de relación con el soundtrack, se nos aparece de la nada, miramos a la pantalla y no entendemos qué ocurre, hasta que finalmente decimos “Ah cierto… Beetlejuice”.
Alec Baldwin y Geena Davis son un matrimonio que tiene un accidente y mueren. Cuando regresan a su casa se dan cuenta que se han vuelto fantasmas y que su hogar, ahora está habitado por extraños. Intentando hacer todo lo posible para espantarlos, y fallando en cada intento, es que dan con Beetlejuice (Michael Keaton), autodefinido como “bio exorcista”, quien les prestará su “ayuda” para espantar a los nuevos dueños. Esto no resulta tan fácil y se complica en esta mezcla de comedia, ficción, terror, con el sello de Tim Burton.
En medio de una cena donde los nuevos morados han recibido a invitados, excéntricos al igual que los primeros, es que vemos a Beetlejuice entrar en acción, quien ya sabemos que posee varios métodos para espantar a quien sea. Sin embargo, en esta caso, elige hacer otra cosa. Mediante una especie de hipnotismo, induce a los comensales a interpretar esta tradicional canción jamaiquina: Day O (también conocida como Calipso Bananero, o Banana Boat). Inmediatamente, el balde de champagne es ejecutado como tambor, y los personajes no alcanzan a comprender por qué salen de su boca las palabras de esta canción. “Les quiero hablar, de, de Day-O…”




Relax (Frankie goes to Hollywood)
BODY DOUBLE
Craig Wasson. Brian de Palma

Brian de Palma venía de dirigir Scarface, Blow Out, Carrie, etc. Ninguna de estas películas eran comedias ni se le acercaban. Tampoco lo es “Body Double” (Doble de cuerpo), sin embargo la escena en cuestión tiene elementos muy bizarros, no sólo por su contenido, sino por el argumento que motiva ese desarrollo.
Relax Dont´ do it es un tema bien, bien ochentoso de una banda llamada Frankie Goes To Hollywood, quien no contó con otros éxitos de trascendencia. Su letra está muy ligada a la cuestión sexual (Relájate, no lo hagas, cuando vayas a acabar…). Y Body Double es una película también muy plagada de cuestiones sexuales.
Casi haciendo una lectura de los films “Vertigo” y “La ventana indiscreta” de Hitchcock, Brian dePalma construye esta historia: Un actor claustrofóbico de segunda (Craig Wasson) queda en cuidarle una especie de loft (el cual está ubicado a una altura importante) a un sujeto que recién conoce. Con el tiempo descubre que en el edificio de enfrente una mujer gusta cambiarse de ropa y mantener relaciones sexuales frente a la ventana. Adicto al fisgoneo, termina presenciando el (supuesto?) asesinato de esta persona. A partir de ello, comienza a investigar por su cuenta la identidad de la víctima y su asesino. Las pistas lo guían a  una productora que realiza películas pornográficas y  no se le ocurre mejor idea que hacerse pasar por un actor porno.
La escena que filma corresponde a una película titulada “Holly Does to Hollywood”. Parodiando el nombre de la canción original (Holly se lo hace a Hollywood). Holly es una actriz porno, quien es interpretada por una jovencísima Melanie Griffith. El protagonista es entonces caracterizado como un inexperto sexual que llega a un lugar donde todo es lujuria y filma esta secuencia.
 Insisto, la película es seria, con intensos climas de suspenso, escenas violentas, y construcciones psicológicas interesantes de los personajes. La escena de Relax Don´t do it bien podría haberse evitado, nada tiene que ver con la película. Sin embargo le aporta una interesantísima cuota de humor innecesario, que hace las delicias de lo bizarro.




Cuban Pete
THE MASK
Jim Carrey

Hay quienes bautizaron a Jim Carrey como el nuevo Jerry Lewis. Y con el correr del tiempo ha ido sumando fanáticos, a medida que iba siendo detestado por otro público. Una de sus primeras apariciones fue en Ace Ventura, para algunos un film de culto, para otros un aburrimiento insoportable. (Como dato de color , Jim Carrey tiene un papel secundario en Harry el Sucio de Clint Eastwood, cantando un tema de Guns N Roses).
Antes de dedicarse a otros papeles más dramáticos (como Eterno resplandor…, Número 23, etc.), Jim Carrey abusaba de sí mismo con gestos, muecas, miradas, etc. Creo que ese es el Jim Carrey pleno. El de Ace Ventura, The Mask, Cable Guy.
La historia de “La Máscara” es sencilla. Un banquero sin suerte encuentra accidentalmente una máscara, la cual al usarla provoca una exaltación en su personalidad, y lo hace capaz de cosas imposibles. Tiene valor, es seductor con las mujeres, tiene éxito, pero a su vez, también saca lo peor de sí mismo. The Mask es una muy entretenida comedia que no gira en torno a lo musical.
En un momento del film, Stanley Ipkiss (Jim Carrey) convertido en “La Máscara” se ve rodeado de policías y a punto de ser apresado. Los poderes con los que contaba, hacían que disponga de diversos modos de escape, lo más variados. Sin embargo (y aquí radica lo ridículo y, a mi entender la más original de las secuencias), opta por distraer o hipnotizar a toda la horda de policías mediante un baile e interpretación de “Pete, el Cubano”. Jim Carrey realiza una coreografía al tiempo que canta esta canción. Mientras, vemos como los agentes de la ley nada pueden hacer, y se ven atados a seguirle el ritmo, bailar, cantar, etc.
Además de la escena de “Cuban Pete”, me voy a permitir mencionar la escena de otra película de Jim Carrey llamada “The Cable Guy” (El Insoportable), donde la ridiculez y originalidad está casi al nivel de La Máscara. En medio de una fiesta (donde sólo asistieron ancianos, su amigo y una prostituta), hace un karaoke de “Somebody to love” de Jefferson Airplane (especial atención al vibrato de su voz mientras se toca la campanilla.




Y.M.C.A  (Village People)
WAYNE´S WORLD
Mike Myres. Dana Carvey.

El mundo de Wayne fue aborrecida por casi la misma gente que la idolatra (yo me encuentro en este último grupo). Comenzó como sketches de “Saturday Night Live” y luego llegó a la pantalla grande en dos entregas.
Los guiones de ambas son de lo más sencillo. Wayne (Mike Myres) y Garth (Dana Carvey) son dos “rockeros” que transmiten su programa de cable desde el sótano de su casa y se ven envueltos en distinto tipo de situaciones extrañas y graciosas. En estas dos entregas han pasado bandas conocidas como Aerosmith, Alice Cooper.
En la segunda parte, Wayne tiene una visión donde es visitado por Jim Morrison en el desierto y le dice que debe organizar un festival de rock estilo Woodstock, en dicha escena también aparece un indio semi desnudo (como en The Doors, de Oliver Stone). Este indio acompaña a Wayne en otras secuencias, como la del club gay.
Aquí Wayne y sus amigos están espiando a su novia disfrazados de policía, obrero, marinero y motociclista (sin razón aparente para escoger esta ropa). Se ven envueltos en una huída y llegan a un club gay donde  terminan por interpretar el clásico de los Village People, y apareciendo para completar la artística el indio semidesnudo, quedando el grupo conformado como los verdaderos Village People.
Otra de las escenas conocidas es la de la primera parte de Wayne´s World, donde todos entonan a coro “Bohemian Rapsody” de Queen. Me resulta muy gracioso como el personaje de Garth no sabe la letra y hace muecas  y mueve la boca como si la supiera, pero en realidad no tiene idea.




Johnny B. Goode  (Chuck Berry)
BACK TO THE FUTURE
Michael Fox

¿Qué decir de esta película que no se haya dicho antes? ¿Existirá alguien que no haya visto la saga de Volver al futuro?
A Marty (Michael Fox) lo vemos tocar la guitarra dos veces en “Back to the Future”. Primero cuando hace la prueba de sonido en la escuela e interpreta “The Power of love” (donde uno de los jurados es Huey Lewis, autor original de la canción), y luego cuando en el pasado toma la guitarra y toca el clásico de Chuck Berry, en una época en la cual aún no se conocía el riff del rocanrol.
Para aquellos que tengan curiosidad les despejo la duda. Michael Fox verdaderamente toca esa canción, no es un doble. Sabe tocar, y las posiciones de guitarra que usa son las correctas.
Mientras está haciendo su solo vemos a un integrante de la orquesta, que supuestamente es el primo de Chuck Berry, llamar a éste y decirle que “escuche, que tal vez este sea el sonido que ha estado buscando)
Esta escena es perfecta. No puedo ser objetivo con Back to the future, ni con la escena de Johny B Goode. Y no hay nada que pueda agregar que nadie haya mencionado antes.




BONUS

I will survive – Gloria Gaynor
I KNOW WHAT YOU DID LAS SUMMER
(Jennifer Love Hewit)

Elegí agregar este tema de Gloria Gaynor como bonus por diversos motivos.
No lo pongo en el conteo principal porque creo que su calidad artística no está a la altura de todos los temas mencionados. Sin embargo cuenta con ciertos elementos curiosos y originales que me parecieron adecuados para mencionar.
“Sé lo que hicieron el verano pasado” es una película de terror. Ya de por sí es difícil encontrar números musicales en películas de este estilo. Creo que este es el primer mérito.
¿Jennifer Love Hewit cantando? Sí. Haciendo un karaoke de este clásico. Y no canta cualquier tema, canta “I will survive” (sobreviviré). Recordemos que un grupo de adolescentes está siendo acosado por un asesino que planea matarlos uno a uno. ¿Acaso no es este un momento adecuado para esta canción?
“Primero tuve miedo, estaba petrificada, creí que podía vivir sin que estuvieras conmigo”. Y mientras canta “Sobreviviré”, en la pantalla del Karaoke, ve la inscripción de “I still know what you did last summer”
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Sé que dejé afuera muchas escenas memorables del cine (y otras no tantas) en lo que a números musicales se refiere, pero la idea era simplificar. Me hubiera gustado incluir a Val Kilmer cantando Tuti Fruti en Top Secret, escenas de películas de David Lynch, y hasta “As tears go by” de Casablanca.



TOP 5: Carátulas censuradas


A lo largo de la historia del rock fueron muchas las portadas de discos que despertaron controversias o sufrieron las consecuencias de la censura.
Lo cierto es que, a medida que fueron corriendo las décadas, los organismos de control fueron ejerciendo cada vez menos presión frente a prohibir determinados artes de tapa.
Del mismo modo, ha habido casos en los cuales algunos grupos parecían darle más importancia al diseño que a la propia música, intentando tener repercusión simplemente a partir de las reacciones que la portada despertase. Si bien Iron Maiden, podría cumplir estos requisitos, no pude evitar incluirlo en este ranking, sencillamente porque creo que su música trasciende la simple estética y porque, además, los diseños a lo largo del tiempo han ido superándose a sí mismos.
Obviamente, quedaron afuera muchísimas carátulas de este “Top 5”. Las consideraciones que tuve en cuenta, además de las mencionadas anteriormente, son: que se tratasen de bandas reconocidas, no sólo por sus artes de tapa, sino también desde lo musical. Dejar afuera todo lo que a Death Methal, Hardcore, Black Methal, y géneros y subgéneros similares se refieran, simplemente porque ya de por sí casi todas sus tapas son provocadoras (basta con echar un ojo a las carátulas de los discos de la banda “Cannibal Corpse” para darse una idea).
También tuve en cuenta la originalidad o el nivel artístico de la fotografía.
Algunas de las carátulas que también me hubieran gustado incluir son: Electric Ladyland (Jimi Hendrix), War (U2), Roger Waters (The Pros and cons of Hitchhikin), Rolling Stones (Beggars Banquet, incluído en este blog), Molotov (Donde jugarán las niñas).


IRON MAIDEN
Sanctuary/Woman in Uniform
1980

En 1980 se lanza el primer LP de Iron Maiden. En su portada podemos ver la primer imagen de “Eddie” (el monstruo/demonio metalero), quien luego acompañaría al grupo en la mayoría de sus portadas y presentaciones en vivo. A lo largo de su carrera, lo veríamos, entre otras cosas, empuñando un hacha ensangrentada, en las pirámides egipcias, encerrado en un manicomio, etc.
Lo macabro y demoníaco siempre fue parte de la estética de los Maiden. De hecho, la “doncella de hierro” (traducción de Iron Maiden) es un instrumento de tortura consistente en una especie de sarcófago con clavos.
En el mismo año del disco debut, se lanza en forma de single “Sanctuary” (conteniendo los temas: Sanctuary del lado A, y Drifter y I´ve got the fire, del lado B). En su portada podemos ver a “Eddie” con un cuchillo, luego de asesinar a Margaret Tatcher, quien había arrancado de la pared un póster de la banda. Dicha carátula fue censurada en Gran Bretaña.
Curiosamente, Iron Maiden se burla de dicha censura con la portada de otro single.
Para la época de “Killers” (su segundo disco) lanzan el simple “Woman in uniform”, en la cual se aprecia a “Eddie” nuevamente con dos mujeres, y a Margaret Tatcher en la esquina esperándolo con una ametralladora.

Iron Maiden - Iron Maiden: 1.Prowler, 2.Remember tomorrow, 3. Running free, 4. Phantom of the Opera, 5. Transylvania, 6. Strange world, 7. Charlotte the Harlot, 8.Iron Maiden. (en la edición de 1998, se agregó a la lista el simple Sanctuary).

  
BEATLES
Yesterday and today
1966

Nunca quedó muy clara la censura de esta portada de los Beatles.
El disco en sí mismo se trata de una edición recopilatoria de sus grandes éxitos hasta el momento.
Tampoco queda claro qué se les cruzo por la cabeza a los cuatro de Liverpool al editar una carátula con estas características: restos de carne, de un muñeco bebé de juguete cortado en trozos. No encajaba con nada de lo que vinieran haciendo hasta el momento
Lo cierto es que a los pocos días de haber salido esta compilación, la tapa fue sustituida por otra en la cual se encuentra la banda con un baúl.
Lo poco que se sabe acerca de sus orígenes es que se habrían inspirado en la obra del fotógrafo surrealista Hans Bellmer y su trabajo “La Poupee” (fotografías de muñecas desmembradas).
También se dice que originalmente la portada, cuya fotografía pertenece a Bob Whitaker,  iba a consistir en un tríptico (que incluiría la presente tapa), el cual nunca vio la luz. La metáfora que perseguían dichas ilustraciones intentaban soslayar que los Beatles eran seres humanos, carne y hueso, que también podían ser destruídos.

The Beatles - Yesterday and today: 1. Drive my car, 2. I´m only sleeping, 3.Nowhere man, 4. Dr. Robert, 5. Yesterday, 6. Act Naturally, 7. And your bird can sing, 8.If I needed someone, 9.We can work ir out, 10. What goes on?, 11. Day tripper.




GUNS N ROSES
Appetite for destruction
1987

Se trata del disco debut de los Guns N Roses.
El año anterior habían editado un EP llamado “Live like a Suicide” sin mucha repercusión.
En esa época muchos decían que los Guns eran la cruza entre los Rolling Stones y los Sex Pistols, ya sea del punto de vista musical, como estético. Lo cierto es que, en lo que arreglos de guitarras se refiere, la banda (y especialmente Izzy) había escuchado más que nada a Aerosmith.
La portada de Appetite había que mirarla durante unos segundos. La chica en el piso, la bombacha por debajo de las rodillas, un robot al lado, una especie de demonio arriba. El arte de tapa correspondía a Robert Williams y se trataba de una chica violada por un robot pervertido. Nada que agregar. La misma luego fue suplantada por la archi conocida cruz con los cinco miembros, sin embargo en su contratapa interna seguía trayendo el arte original.

Guns N Roses - Appetite for destruction: 1. Welcome to the jungle, 2. It´s so easy, 3. Nightrain, 4. Out ta get me, 5. Mr. Brownstone, 6.Paradise city, 7.My Michelle, 8. Think about you, 9.Sweet child o´mine, 10.You´re crazy, 11. Anything goes, 12.Rocket Queen.




ROXY MUSIC
Country life
1974

Roxy Music, si bien era una banda, descansaba sobre dos pilares: Bryan Ferry (por las letras, la voz, y la puesta en escena) y Brian Eno (por los arreglos y el uso del sintetizador).
Se dice que Bryan Ferry conoció a dos fans llamadas Constanze Caroli y Eveline Grunwald en Portugal mientras escribía las letras para este disco, y le pidió a las dos alemanas que posaran para la portada. Hay quienes dicen que no hubiera tenido tanto éxito el mismo de no ser por su portada.
El nombre del disco parodiaba una revista inglesa también llamada “Country Life”.
La fotografía pertenece a Eric Boman y fue considerada indecente en varios países (Estados Unidos, España, Holanda), por lo que la misma era vendida envuelta en un plástico verde, o bien modificada directamente por la contratapa (que no incluía la presente imagen, sino sólo un primer plano de una planta y tierra).

Roxy Music - Country life: 1.The thrill of it all, 2. Three and nine, 3.All I want is you, 4.Out of the blue, 5.If it takes all night, 6.Bitter sweet, 7. Triptych, 8. Casanova, 9 A really good time, 10. Praire Rose.



SCORPIONS
Love at first sting
1984

En realidad habría que hacer una lista aparte con las portadas censuradas de Scorpions.
En 1975 fue censurado su primer disco “In Trance” por mostrar el seno de una mujer.
En 1977 fue prohibida la portada de “Virgin Killer” por mostar a una (en teoría) menor de edad prácticamente desnuda. En 1979 el disco “Love Drive” corrió la misma suerte al exhibir una pareja de la alta sociedad en una limousine, donde los dedos del hombre se alargaban elásticamente hacia los senos de ella.  Lo mismo ocurriría con “Animal Magnetism” y con “Pure Instinct”
En este caso escogí arbitrariamente la portada de “Love at first sting” simplemente por considerarla de buena calidad artística, sin mal gusto,  y además por ser uno de los más sólidos (a mi criterio) trabajos de Scorpions.
La fotografía pertenece a Helmut Newton, y se trata simplemente de una pareja abrazándose, pero dejando al descubierto el seno izquierdo de la mujer. La misma debió ser reemplazada por una foto de la banda.
A continuación dejo una imagen de “Love at first sting”, y también de “Virgin Killer” y “Love Drive”.



Scorpions - Love at first sting: 1.Bad boys running wild, 2. Rock you like a hurricane, 3.I´m leaving y ou, 4.Coming home, 5.The same thrill, 6.Big city nights, 7.As soon as the good times roll, 8.Crossfire, 9. Still loving you.



DR.

The Kinks - The Village Green Preservation Society


The Village Green Preservation Society (La Sociedad para la Preservación de los Parques Verdes) fue un LP conceptual editado por The Kinks en 1968. En líneas generales se trata de una reflexión  por parte de Ray Davies (cantante, guitarrista y compositor) acerca del estilo de vida británico. Si bien en sus composiciones anteriores ya había mostrado una postura crítica y observadora hacia ciertos comportamientos de las clases inglesas, en este caso, intenta una introspección sobre determinados aspectos. Concluyendo melancólico (y a la vez sarcástico) que habría que organizar ciertas sociedades secretas que se encarguen de preservar las “viejas costumbres”  y volver a las raíces.
El tema principal que da nombre al disco (el cual analizaré) juega con un contrapunto entre las “viejas costumbres buenas”, al referirse las aldeas, clases trabajadoras cuyo esfuerzo sentaron bases futuras, espacios verdes, etc. Y por otro lado, otras costumbres más bien relacionadas con la demostración constante de poderío militar, fortaleza, realeza, etc.
Durante la canción encontramos varios personajes y elementos relacionados con la cultura inglesa, algunos conocidos y otros no. Parte de este análisis será ver que hay detrás de estos nombres, para poder así comprender el mensaje de Ray Davies.

En el primer verso nos encontramos con: el Pato Donald (Donald Duck); el Vodevil (Vaudeville), Desperate Dan, y la mermelada de frutilla (strawberry jam).
Si bien todos sabemos quién es el Pato Donald, Ray Davies se refiere a él como un ícono de propaganda política en la Segunda Guerra Mundial (en los llamados Army shorts), donde el Pato era reclutado por la armada y debía cumplir ciertas misiones bélicas.
Respecto al Vodevil, es un género (o sub género) de comedia donde se presentaban variedad de actos. Un dato no menor es que cosificaba a la mujer a través de espectáculos con connotaciones sexuales (haciendo a un lado el estilo conservador de la era Victoriana), facilitando además la prostitución de las mismas (burdeles, etc.)
Desperate Dan (algo así como Dan el Forajido) era un personaje de una historieta británica llamada “El Dandy”, quien era considerado “el hombre más fuerte del mundo”.
La mermelada de frutilla es todo un símbolo de la clase alta británica en épocas pasadas, junto al té, scones, etc.
Esta Sociedad, para preservar los espacios verdes, tiene por objeto proteger ese entretenimiento ATP, inocente y divertido,  donde detrás su verdadero mensaje es belicoso, perverso, egocéntrico y agresivo (Donald Duck, Vodevil, Desperate Dan). Todo eso, acompañado y resguardado por la pulcritud, lo solemne, lo formal, la gente bien (Strawberry Jam  -mermelada de frutilla-)

Luego nos encontramos con la cerveza de barril (Draught Beer), Mrs. Mopp, Old Mother Riley, los “Custard Pie”, y la “George Cross”.
La Señora Mopp (Mrs Mopp) era un personaje de una comedia radial de la BBC en los años `40 llamada “It´s that man again”. Dicho título se refería a Hitler, dado que su argumento giraba en torno a una (sátira?) sobre la Segunda Guerra Mundial. Mrs Mopp era una mucama que trabajaba en un Ministerio. En Inglaterra existe a su vez una empresa dedicada a los servicios de limpieza con ese nombre, se darán cuenta que su nombre fue sinónimo de algo con el tiempo.
Old Mother Riley era el nombre de un musical, cuya protagonista del mismo nombre era una lavandera irlandesa, también de clase humilde. Fueron 16 películas de la Madre Riley, y giraba en torno a ella y su hija enfrentándose con ciertos parientes desheredados en un testamento.
El término “Custard Pie” puede traducirse como pastel de crema, o de natillas. Se tornó típico de la cultura inglesa cuando un químico llamado Alfred Bird realizó ciertos cambios en su composición. A fines del siglo 19 en EE.UU estos pasteles fueron promocionados a partir de supuestos beneficios y mejoras en la salud que podían tener efecto sobre ciertas enfermedades y discapacidades (lógicamente, no comprobado). Estos pasteles son los mismos típicos de los actos de comedia al estilo “Los tres chiflados”, están íntimamente asociados a payasos, circos, comedias, etc.
La “George Cross” o cruz del Rey George puede entenderse como una contrapartida a la Cruz Victoriana (Victoria Cross). Mientras que la VC era otorgada como una condecoración militar por el enfrentamiento al enemigo, la GC es una condecoración civil que no se refieren al enfrentamiento cara a cara. Fue otorgada a ciertos estados quienes la lucieron en su bandera.
Esta Sociedad que preserva el Barril de Cerveza, las viejas costumbres que enriquecieron al país con el tiempo, a partir del alcohol, se refiere al entretenimiento a partir de clases trabajadoras humildes, haciendo comedia para ciertas clases, envueltos en personajes despectivos en ese entonces (la mucama, la lavandera). El mismo entretenimiento que envuelve a un pastel de crema, adecuado para la sociedad británica, pero a su vez con la ambigüedad mencionada, respecto a la salud y el “pastelazo”. Premiemos todo esto, pero no con una recompensa militar, sino civil, porque es la sociedad quien debe aprender a defenderse, atacar, tener mentalidad bélica, aún, siendo civiles (George Cross)

Luego nos encontramos con Sherlock Holmes, Fu Manchu, Moriarty y Dracula.
Sherlock Holmes es el reconocido detective, personaje de libros y hoy por hoy películas, temeroso por momentos y crítico en otros de la sociedad inglesa. Su némesis era el Profesor Moriarty, matemático y único capaz de enfrentarlo y finalmente matarlo al caer ambos en las cataratas. 
Dracula también es otro reconocido personaje creado por Bram Stoker (también del archipiélago británico) en su novela donde, además de los tópicos más conocidos, también se trata el tema de la sexualidad y el papel de la mujer.
Fu Manchú fue un reconocido ilusionista británico. 
Esta Sociedad está orgullosa de poseer la misma lengua que Sherlock Holmes, y está orgullosa de su cultura. En este caso Ray Davies no es sarcástico, sino que apunta a salvaguardar este tipo de valores, donde géneros como la literatura hicieron a ciertos ingleses reconocidos en el mundo. De cualquier modo se puede observar que tampoco es azarosa la elección de estos personajes: el héroe y el villano, la sexualidad, el ilusionismo, la mentira. Al finalizar el verso juega un poco con los "valores" preciados por la sociedad formal, poniendo al mismo nivel las delicadezas de las clases altas (tazas de te chino), la virginidad, y las bases de una economía (pequeños comerciantes).

Finalmente Davies llama a conservar cierta estética de la era victoriana (mesas antiguas, Tudors). La Reina Victoria es objeto de varios versos de The Kinks en otros temas y suele establecer una dualidad que mencionaba anteriormente al referirse a “las viejas costumbres”. Esta Sociedad está dedicada a conservar los “Skyscrapers” (o rascacielos), y hace mención al término “condena”, refiriéndose melancólico al paso del tiempo.
Las últimas estrofas tanto de este verso, como del primero bregan por “Conservar las viejas costumbres de ser maltratados (abused)” y de proteger las nuevas para todos nosotros.  Davies, ácido, redobla la apuesta y se incluye dentro de una sociedad británica llamada a recordar y conservar todos esos elementos y eventos que tienden a incluirnos en una realidad que no es. A costumbres que pueden ser entendidas por muchos de cierta manera, pero que en realidad esconden otra cosa detrás. Esta declaración de (principios?) llama respetar ciertos (valores?) pasados y a no olvidarse proteger todas las nuevas costumbres que vayan apareciendo. Y entre líneas, pensar, ya sabemos a dónde nos han llevado todos estos usos, ya sabemos lo que somos, a mentalizarse en cuidar estas costumbres. Estas costumbres de ser abusados, maltratados, a abusar y maltratar y aún así estar sonrientes y conformes ante ello.
                                                                                                                     DR.-

  The Village Green Preservation Society (The Kinks)
Incluído en el LP del mismo nombre.
  1968. Letra y Música: Ray Davies.


Ver letra traducida




Queen - Bohemian Rhapsody


   Desmenuzar Rapsodia Bohemia desde un principio implica comenzar por el título en sí mismo. 
    Rapsodia es una pieza musical (así como lo son las sonatas, sinfonías, conciertos, etc.), y cuando nos referimos a “bohemio” estamos hablando de una subcultura determinada vinculada a la Europa central, aunque es sabido que la acepción más frecuente esté vinculada a un movimiento cultural, que con el correr del tiempo se ha ido desvirtuando el verdadero significado. Entiendo a Rapsodia bohemia como un canto desesperado ante una situación adversa, a partir de allí puede darse lugar al debate acerca de su significado, el cual Freddie Mercury nunca quiso hacer público. De todos los rumores que he oído acerca del argumento central de esta pieza, voy a concentrarme en el que más convincente interpreto. Tengamos en claro que hay ciertas imágenes que se repiten a lo largo de los versos: la muerte, el Diablo, el alma.
Los primeros versos son imágenes, aquí no hay historia ni argumento. Son imágenes de desesperación, pero a la vez de apatía y desesperanza. “No escape from reality” es la más ilustrativa de todas y nos transporta a la escena de un muchacho que ya bajó los brazos, que se encuentra esperando lo inevitable y que ya nada realmente le importa. El vínculo directo que por defecto se sucede es la muerte.  Frente a ello muchos han supuesto que se trata de un enfermo de HIV, algo muy poco probable a mi entender teniendo en cuenta la época en que se escribió la canción. Lo más probable es que se trate de la espera de una ejecución, o de cualquier otra cuestión que vaya a causar inevitablemente la muerte.
El panorama se aclara en la segunda parte cuando el relato es más directo: “Mama, just killed a man…”. Estamos a punto de presenciar los sucesos que llevaron al personaje a llegar al estado descripto anteriormente.  Mató un hombre, etc. , y su decisión es fugarse, desaparecer por completo, entre penas, así se lo anuncia (o imagina anunciarlo) a su madre.

En los versos siguientes la historia parece continuar en otro escenario, tengamos en cuenta “too late, my time has come”: ha llegado la hora de enfrentar las consecuencias, las cuales provocan escalofríos. Esta cuestión puede interpretarse como una ejecución próxima; el condenado, encerrado en su celda, esperando lo peor. O bien libre, pero preparándose para entregarse (“face the truth”). Es controvertida la frase dado que “enfrentar la verdad” puede leerse como prepararse para dicha ejecución, o bien lidiar con la culpa y entregarse a las consecuencias, a la justicia.
La segunda parte de esta rapsodia contiene ciertos términos de no tan sencillo acceso, vamos a intentar aproximarnos a ellos:
-          Scaramouche: varias acepciones con esta palabra. En principio podemos decir que se trata de una novela (Rafael Sabatini), que entre otras cosas es una historia de venganza, muerte, y culpas. Por otro lado bien podría entenderse como una distorsión de “Scare much”, que sería algo así como “asusta mucho”. Otros sostienen que es un apócope de “escaramuza”, un tipo de enfrentamiento o pelea menor entre dos bandos
-          Galileo Figaro: son dos personajes distintos. Fígaro por un lado es el personaje de ópera (Bárbero de Sevilla, Bodas de Figaro, etc). Por otro lado Galileo Galilei, el reconocido astrónomo, físico y matemático. Probablemente los versos referidos a estas palabras sean los que más desencajan
-          Bismillah: es la expresión religiosa para llamar a dios (Alah) en árabe.
Continuemos ahora con esta parte de la canción. Estos versos deben ser interpretados en conjunto desde “I see a Little…” hasta “Beelzebub has a devil…”, dado que lo que manifiesta el personaje con sus primeras palabras tienen su explicación en las últimas. Tengamos en cuenta el constante juego de palabras de “we will not let you go”, y “let me go”. El personaje esta rogando para que lo dejen ir y no enfrentar las consecuencias, las cuales a esta altura denotan claramente que se trata de la muerte. El personaje le pide a Dios (Bismillah…) que lo deje ir, le ruega a Dios, y da la sensación que son coros de ángeles quienes le contestan que “no lo dejarán ir”, la misma negativa surge al pedirle a su madre. Sin embargo esto cambia cuando el pedido apunta al diablo, con quien parece haber un cierto intercambio; si Belcebú tiene un diablo reservado para él, esto quiere decir que ha vendido su alma al diablo a cambio de su libertad.
En los versos siguientes (la parte rockera) el personaje se justifica por lo hecho aludiendo que tenía que conseguir su libertad de alguna manea (“just gotta get out…”) y se excusa diciendo que no permitiría de ninguna manera ningún otro maltrato, ni tampoco les sería tan fácil coartarlo de su vida. Parte de esta justificación está vinculada también con el comienzo del tema, dado que al fin y al cabo, el personaje termina teniendo la misma sensación que al comienzo: Nada realmente importa.


Bohemian Rhapsody (Rapsodia Bohemia).
Letra y música:  Freddie Mercury
Incluído en el LP : "A night at the Opera" en 1975
                                                                                                                                              DR.






Rolling Stones - Beggar´s Banquet

  En 1968 Rolling Stones edita el sucesor de “Their Satanic Majesties Request”, tal vez uno de los discos más psicodélicos de su carrera.  Con Beggar´s Banquet (el banquete de los mendigos) comienza el acercamiento hacia ese estilo tan “Stone” hoy por todos conocidos, principalmente por el tema “Street Fighting Man”. Mucho tuvo que ver con esto la cada vez más marcada decadencia de Brian Jones en su rol tanto de compositor como de instrumentista, lo cual puede notarse al escuchar discos los trabajos anteriores y compararlos con el presente. Precisamente “Street…” fue uno de los singles, junto con “Jumping Jack Flash”, extrañamente no editado en ningún disco de estudio. Ambos temas tienen el sello de Keith Richards y sus atípicas afinaciones de guitarra para el rocanrol.
  El disco cuenta, además, con una pieza para mí fundamental, sobre la cual voy a centrar prácticamente todo el análisis de este disco (porque me gusta, y porque el tema lo merece): Sympathy for the devil. Musicalmente se trata de una “samba loca”, como una vez lo describió el mismo Richards, quien se luce tocando el bajo en esta composición.

  Un recorrido a través de ciertos momentos de la historia es lo que nos propone “Simpatía por el diablo” de los Rolling Stones.  La primera aclaración es la siguiente: el término “Sympathy” no significa precisamente simpatía, sino más bien comprensión o entendimiento. Se dice que la letra fue inspirada por una obra llamada “El Maestro y la Margarita”, de un novelista ruso llamado Mijail Bugakov, quien narra las andanzas del diablo por diferentes escenarios, bajo distintas apariencias. Profundamente cargado de ironía en varios fragmentos logra el efecto que una letra debe conseguir: prestarle atención y no poder dejar de oírla.
Simpatía… logra por momentos que nos olvidemos de la música y estemos pendientes todo el tiempo de ver como sigue la letra. Si es que alguien todavía no conoce la canción (o no le prestó la debida atención) es un tema para ir siguiéndolo, verso a verso, donde no hay grandes metáforas o construcciones difíciles de abordar; Jagger es directo con lo que nos quiere decir. Este discurso, como mencionaba, se encuentra plagado de sarcasmo, donde vemos equiparada la traición de Poncio Pilato a la muerte de Keneddy, a las peleas internas de los Beatles, y demás cuestiones que observaremos.
Haciendo a un lado el orden de los versos,  debo comenzar destacando uno de los más logrados son: “what´s puzzling you is the nature of my game”: lo que te confunde, es la naturaleza de mi juego.  Estos sucesos que se nos proponen a lo largo del tema (a partir de los cuales se nos sugieren tantos más no mencionados) nos plantea siempre la pregunta “¿por qué?”.  El porqué de las tragedias es acaso una de las principales preguntas del hombre, y no está mal suponer que es el mismísimo Diablo quien está detrás de ello, pero, lo que nos confunde, es la naturaleza de su juego. Todo el estribillo es irónico, no sólo eso, sino que ironiza al oyente y juega con su estupidez, si seguimos la estructura del tema. Nos narra un suceso, Estribillo, Otro suceso/s más, Estribillo, Suceso/s, etc…  Es decir que luego de presentada la situación (hecho funesto, trágico, etc.) el estribillo nos pregunta “¿Saben quién soy? ¿Saben quién está detrás de esto?”. Lo que en las palabras de Jagger sería “Pleased to meet you, hope you guess my name”.
  Veamos cuáles son los hechos que nos presentan. Todos parten a raíz de uno de los primeros versos “robé almas y fe de hombres”; el diablo en primera persona, nos contará cuáles (por elección propia de los Stones) son esas almas y fe que robó: Hizo que Poncio Pilatos no tuviera la suficiente influencia para que Jesucristo no fuera condenado, bastante duro y crudo, por estar al comienzo.  No hay mucho que aclarar sobre esto.
  Los versos que siguen requieren de un marco histórico importante a tener en cuenta, así como también ciertos conceptos: Nos sitúa aproximadamente en 1917 en San Petesburgo (también conocida como Leningrado), que fue una de las primeras ciudades de invasión al producirse la Revolución Rusa (o bolchevique, dependiendo del momento histórico). Esto supuso (en términos muy amplios) el fin del régimen de los zares, lo cual fue seguido por la llegada de los soviets al poder.  Mediante la invasión antes mencionada, se destituyó del poder a Nicolás II (el último Zar), quien fue asesinado junto a su familia, entre quienes estaba incluida su hija Anastasia. Sobre esto último han surgido controversias acerca de si Anastacia sobrevivió o no, pero esto no me compete ahora. Dentro de estos mismos versos nos aparece otro término poco frecuente: “Blitzkrieg” (tal vez más conocido por el tema de los Ramones Blitzkrieg Bop). Blitzkrieg no tiene una traducción exacta, sino que se trata de una clase de estrategia militar, un tipo de guerra fugaz (o “relámpago”), rápida y efectiva. Luego de clarificar estos términos y datos históricos, podemos comprender más claramente en dónde estuvo presente el diablo que describe Jagger.
  Las reminiscencias históricas se re dirigen nuevamente a la cuestión religiosa (muerte de Jesús, Cruzadas, reforma Luterana, etc.) dándonos a entender que todas las muertes que se dieron a lo largo de la historia por defender ideales religiosos. Reyes y reinas matando en nombre de su Dios. Frente a esto, el diablo sonríe. Al igual que frente a la muerte de Keneddy, un gran estigma para los estadounidenses, quienes luego de su asesinato comenzaban a echarse culpas mutuamente, amado y odiado. Y el diablo también estaba ahí.
Pero esto no termina aquí, porque a la misma altura que los Zares, Keneddy y Jesús, Jagger sitúa a los Beatles. Los Beatles son estos “trovadores” que acabaron matándose al volver de  Bombai (India). Tengamos en cuenta que luego de Revolver es que comienzan las fricciones internas de los Beatles, lo cual lleva a su disolución, aquí el diablo también estaba presente. A mi criterio es inteligente la ironía planteada por Jagger, pero desde otro punto de vista lo considero desacertado. Creo que situar a los Beatles a la misma altura que lo antes mencionado, deja a los Stones en una inferioridad de posiciones.
  El tema finaliza con ironías acerca de las comparaciones, y así como cada santo es pecador, policía criminal, etc. Así como todo es una contradicción, y así como el mal siempre está presente en cualquier cosa que sea buena, llámenlo Lucifer. Porque justamente por eso, por hacer que nada sea completamente noble, cien por ciento bueno, por eso mismo, merece cierto respeto. Y luego de presentados todos los hechos en los que se hizo presente, todo lo que provocó, y todo lo confusa que es su naturaleza, si le encontraras, mejor usa todos los buenos modales que sepas.
  Este disco tuvo dos portadas. La original mostraba un baño sucio y lleno de graffitis, la cual fue censurada y reemplazada por una simple portada blanca donde sólo figuraba el nombre de la banda y álbum en letra cursiva. Hoy por el mismo puede conseguirse con su portada original.
DR.


Rolling Stones - Beggar´s Banquet
(1968/ Decca Records. Producido por Jimmy Miller)
1. Sympathy for the devil, 2. No expectations, 3. Dear Doctor, 4. Parachute Woman, 5. Jigsaw Puzzle, 6. Street Fighting man, 7. Prodigal Son, 8. Stray Cat Blues, 9. Factory girl, 10. Salt of the Earth.